El artista multimedia, organizador comunitario y activista neoyorquino, originario de Santiago de Chile, Matías Alvial @matialvial nos habla sobre sus orígenes y cómo fue su primer contacto con el arte, cómo se convirtió en activista y las razones por las que lo hizo . ¡Todos los temas que refleja su arte y temas más interesantes! Sin duda, Alvial es un ser humano hermoso y un artista realmente talentoso, y todo lo que desea es que su arte empodere a las personas para abrazar un futuro en el que seamos liberados de las normas sociales.
Adrian Gomis: Tu biografía dice que eres un “artista multimedia, organizador comunitario y activista, originario de Santiago de Chile”. Para empezar, ¿podrías contarnos más sobre tus raíces y tu historia con el arte?
Matías Alvial: Nací y crecí en Santiago, Chile. Desde muy joven, mi madre me introdujo en el arte y la arquitectura. Yo era un niño caótico. Tenía un juego de costosas acuarelas importadas que se abstendría de usar… excepto en los días especiales en los que pintaba girasoles e lirios. Ella todavía está resentida conmigo por cortarlos. En mi defensa, ¡yo era un niño que tenía mis primeros intentos de cotejar! A ella no le gustan mis fotografías de desnudos… hasta el día de hoy insiste en que pinte flores. Cuando tenía 14 años, nuestra familia se mudó a Florida por el trabajo de mi padre en un intento de que mis hermanos y yo aprendiéramos inglés. Sabía que el idioma podía abrir muchas puertas, y así fue. En esta época comencé la escuela secundaria. En tercer año, yo era presidenta del club de arte y mi mejor amiga, Victoria Luzuriaga, era la presidenta del club de fotografía, así que, naturalmente, cada fin de semana frecuentábamos los lugares artísticos de la zona: FAT Village, Wynwood, PAMM y, en diciembre, Art Basel. Mi familia tuvo que regresar a Chile pero yo no quería regresar. Me mudé con Victoria para poder terminar mi último año de educación secundaria. Después de graduarnos, ambos nos mudamos a Nueva York. Estudié Marketing en la universidad como artista encerrado. No fue hasta mi último semestre que tomé ‘Introducción a la fotografía’ con Nancy Barton. No aprendí mucho. No creé mucho. En lugar de usar el cuarto oscuro, pasé la mayor parte de las clases charlando con Barton. ¡Qué mujer tan fascinante y talentosa! Recuerdo haberle preguntado cómo uno se convierte en artista. Ella simplemente dijo: «simplemente hazlo». Más tarde ese día, me presentó a un antiguo aprendiz suyo, Lyle Ashton Harris, que necesitaba un asistente de estudio para ese verano. ¡El resto es historia!
AG: ¿Cuándo y cómo te convertiste en activista y organizador comunitario? ¿Por que peleas?
MA: Conocí el activismo por primera vez en 2018 a través de una reunión de Voices4, un grupo que se formó después de la purga anti-gay en Chechenia y cuya misión era “Las personas queer en cualquier lugar son responsables de las personas queer en todas partes”. Luego cambié mis esfuerzos para brindar servicios de diseño gráfico a organizaciones como The Anti-Violence Project, The Intersex Justice Project, Gays Against Guns, etc. No lucho contra «un mal» per se, sino que mi enfoque es conseguir que la gente se reúna bajo la bandera de la unidad. Por ejemplo, organicé una venta de arte queer para recaudar fondos para The Center, el corazón y hogar de la comunidad LGBTQ+ en Nueva York. El resultado fue conmovedor. Los artistas participantes estaban dispuestos a ayudar, sin hacer preguntas. Recaudamos más de $5,000 para ayudar a los esfuerzos externos del Centro para trasladar sus servicios (salud mental y asesoramiento grupal,
AG: A través de tu arte, exploras varios temas como la identidad, la conexión humana, el género y la sexualidad. ¿Todos estos temas estuvieron siempre presentes en tu arte desde el momento en que iniciaste tu andadura como artista o han ido surgiendo a lo largo de los años? ¿Podrías dar más detalles sobre cada tema, por favor?
MA: No lo sé. Creo que esta es una cuestión de naturaleza versus crianza. ¿Estoy descubriendo la «verdadera» versión de mí mismo a medida que maduro? ¿O estoy construyendo la versión de mí mismo que quiero ser? Lo único que sé es que cuanto más me relaciono con la comunidad queer, más me intereso en su teoría, literatura, arte y cultura. Trabajar en estrecha colaboración con creativos queer me ha permitido ampliar mis nociones de mí mismo y de intimidad y, al hacerlo, he podido desarrollar relaciones más profundas. Desearía poder profundizar en cada tema, pero para mí, todos están conectados y dependen unos de otros bajo el paraguas de lo queer.
AG: Te refieres a los artistas como “los “exploradores visuales” del siglo XXI” porque para ti el arte tiene el poder de impulsar el cambio social. ¿Por qué crees que el arte tiene ese poder? ¿Tu arte también contribuye a ese cambio social? ¿Cómo?
MA: Empezaría por mirar a alguien como Dorothea Lange, quien documentó la Gran Depresión en Estados Unidos. Una vez publicadas, sus fotografías llevaron a las autoridades federales a ayudar a los fotografiados. Por supuesto, este ejemplo se desarrolla en el contexto del periodismo, pero de manera similar, el trabajo de artistas como Félix González Torres o David Wojnarowicz tuvo una importancia fundamental para crear conciencia sobre la epidemia del SIDA. En aquel momento, las administraciones Reagan y Bush guardaron silencio y se abstuvieron de actuar para salvar vidas, lo que enfureció a los afectados. Los artistas queer que crearon obras en este período de sufrimiento masivo entendieron que el arte podía transmitir un mensaje, principalmente sobre cuestiones de homofobia y discriminación. Esto allanó el camino para que lo queer fuera ampliamente aceptado en las instituciones artísticas y la esfera pública. Si bien no creo que mi trabajo esté al nivel de los artistas antes mencionados, sí creo que mi arte juega un papel en la amplificación de las voces de una comunidad queer diversa e interseccional. Espero que mis fotografías permitan a las personas abrazar un futuro en el que seamos liberados de las normas sociales.
AG: Hablando de tus influencias, ¿cuáles son los artistas o personas que te inspiran en este momento?
MA: He estado mirando el trabajo de George Platt Lynes, Wilhelm von Gloeden, Lucas Samaras, Mark Morrisroe, etc. A menudo, la gente piensa que Nan Goldin es una gran inspiración, pero es bastante divertido… No sabía quién era. fue para la mejor mitad de mi práctica. Sin embargo, ahora me siento muy cautivado por su trabajo. También diría que estoy profundamente inspirado por la forma en que mis contemporáneos (artistas como Jo Fetto, Leo Foo, Justin Liam O’Brien y Colin Radcliffe) abordan las ideas de lo queer y la intimidad. Además, estar rodeado de creativos motivados (como David Chan, Brock Coylar, Devin Kasparian, Camila Lim, Austin Nolan y Em Perlman) me empuja a seguir esforzándome. El éxito de mis amigos también es el mío.
AG: Recientemente te ha interesado documentar la universalidad de la experiencia queer a través de la fotografía cinematográfica. ¿Qué te hizo tomar tu cámara y expresar tu arte a través de otro medio? ¿Por qué fotografía analógica?
MA: En una conversación con mi mentor, hablamos sobre la importancia histórica de las protestas de Black Lives Matter que se desarrollan en la ciudad. Me instó a tomar una cámara y documentar los hechos. Mientras participaba en estas protestas, comencé a ver caras familiares en persona nuevamente. Me interesé en fotografiar a mis amigos cuando reingresábamos a los círculos sociales después del aislamiento. Desde entonces, no ha habido un día en el que no lleve una cámara encima. Elegí la fotografía analógica porque mi trabajo de verano antes de Covid consistía en archivar negativos y transparencias de los años 80 y 90. Me gustó la materialidad, la sensación de tener una imagen en las manos versus solo ver píxeles en una pantalla. Además, creo que hay un elemento de atención plena en juego. Yo diría que soy muy consciente de lo que me rodea. Muchas cosas, gente, y los eventos me llaman la atención, pero con exposiciones limitadas a aproximadamente $1 cada una, mi trabajo es seleccionar activamente lo que se captura. En una entrevista con Leslie Katz, Walker Evans dice: “Creo también que la fotografía es edición, edición después de la toma. Después de saber qué llevar, tendrás que hacer la edición. El secreto de la fotografía es que la cámara adopta el carácter y la personalidad del fotógrafo. La mente trabaja en la máquina, más bien a través de ella”. Falleció antes de la invención de la fotografía digital, pero el sentimiento sigue siendo fiel para mí. Mientras que su edición se realiza después de filmar un rollo, la mía se realiza mientras filmo. A veces bastan una o dos tomas para captar la esencia de lo que deseo recordar. Walker Evans dice: “Creo también que la fotografía es editar, editar después de la toma. Después de saber qué llevar, tendrás que hacer la edición. El secreto de la fotografía es que la cámara adopta el carácter y la personalidad del fotógrafo. La mente trabaja en la máquina, más bien a través de ella”. Falleció antes de la invención de la fotografía digital, pero el sentimiento sigue siendo fiel para mí. Mientras que su edición se realiza después de filmar un rollo, la mía se realiza mientras filmo. A veces bastan una o dos tomas para captar la esencia de lo que deseo recordar. Walker Evans dice: “Creo también que la fotografía es editar, editar después de la toma. Después de saber qué llevar, tendrás que hacer la edición. El secreto de la fotografía es que la cámara adopta el carácter y la personalidad del fotógrafo. La mente trabaja en la máquina, más bien a través de ella”. Falleció antes de la invención de la fotografía digital, pero el sentimiento sigue siendo fiel para mí. Mientras que su edición se realiza después de filmar un rollo, la mía se realiza mientras filmo. A veces bastan una o dos tomas para captar la esencia de lo que deseo recordar. “Murió antes de la invención de la fotografía digital, pero el sentimiento sigue siendo fiel para mí. Mientras que su edición se realiza después de filmar un rollo, la mía se realiza mientras filmo. A veces bastan una o dos tomas para captar la esencia de lo que deseo recordar. “Murió antes de la invención de la fotografía digital, pero el sentimiento sigue siendo fiel para mí. Mientras que su edición se realiza después de filmar un rollo, la mía se realiza mientras filmo. A veces bastan una o dos tomas para captar la esencia de lo que deseo recordar.
AG: ¿Podrías hablarme de tu proceso creativo, tanto para tus obras de arte como para tus proyectos fotográficos? ¿Qué tan diferente es la creatividad seguida en ambos medios?
MA: He llegado a identificarme como un artista estacional, donde tomo fotografías durante los meses más cálidos y trabajo en medios más tradicionales (es decir, pintura, dibujo, textiles, etc.) durante los más fríos. No existe una fórmula estricta para ello. Si hace buen tiempo, me encontraré al aire libre socializando y, a la vez, fotografiando. Por lo tanto, he compartimentado mi práctica en dos universos, uno que abraza la realidad y otro que desea escapar de ella. Con un enfoque de estilo documental, la fotografía sirve como herramienta para representar con veracidad lo que tengo frente a mis ojos. Por otro lado, mi práctica con los medios tradicionales me permite soñar y expresar pensamientos abstractos. La verdad es que todo mi proceso creativo es ampliamente espontáneo. La inspiración llega inesperadamente. Cuando las musas llaman a mi puerta tengo la obligación de dejarlas entrar. Trabajo en sprints. Trabajar de 7 a 10 horas seguidas solo con descansos ocasionales para ir al baño. A veces incluso me olvido de comer. Muy rara vez planifico una obra de arte; en lugar de eso, «tomo prestadas» partes de bocetos anteriores. Sin embargo, diez horas no son suficientes para terminar una obra de arte de una sola vez, por lo que, por lo general, la pintura sin terminar permanecerá desatendida durante meses. Me gusta que mis pinturas tengan un período de marinación (o período de postergación, según tu preferencia). En cierto modo, mis pinturas narran mi evolución. Este período liminal entre sesiones de trabajo sirve como momento para crecer como artista. Cuando vuelvo a visitar una obra inacabada puedo explorar nuevas ideas sobre la base de un yo pasado. Tomo prestadas partes de bocetos anteriores. Sin embargo, diez horas no son suficientes para terminar una obra de arte de una sola vez, por lo que, por lo general, la pintura sin terminar permanecerá desatendida durante meses. Me gusta que mis pinturas tengan un período de marinación (o período de postergación, según tu preferencia). En cierto modo, mis pinturas narran mi evolución. Este período liminal entre sesiones de trabajo sirve como momento para crecer como artista. Cuando vuelvo a visitar una obra inacabada puedo explorar nuevas ideas sobre la base de un yo pasado. Tomo prestadas partes de bocetos anteriores. Sin embargo, diez horas no son suficientes para terminar una obra de arte de una sola vez, por lo que, por lo general, la pintura sin terminar permanecerá desatendida durante meses. Me gusta que mis pinturas tengan un período de marinación (o período de postergación, según tu preferencia). En cierto modo, mis pinturas narran mi evolución. Este período liminal entre sesiones de trabajo sirve como momento para crecer como artista. Cuando vuelvo a visitar una obra inacabada puedo explorar nuevas ideas sobre la base de un yo pasado. Este período liminal entre sesiones de trabajo sirve como momento para crecer como artista. Cuando vuelvo a visitar una obra inacabada puedo explorar nuevas ideas sobre la base de un yo pasado. Este período liminal entre sesiones de trabajo sirve como momento para crecer como artista. Cuando vuelvo a visitar una obra inacabada puedo explorar nuevas ideas sobre la base de un yo pasado.
AG: ¿Cómo crees que evolucionará tu arte? Por ejemplo, has empezado con la fotografía recientemente, así que supongo que tu arte seguirá encadenándose. ¿Cómo lo ves dentro de un par de años?
MA: ¡Ojalá me conociera a mí mismo! La belleza de ser artista es abrazar la curiosidad. Creo que los artistas más exitosos son aquellos que rechazan la comodidad de lo que saben. Vivimos en una era llena de «gente del renacimiento»; He conocido a muchos creativos, en diferentes industrias, que pueden hacerlo todo. La corriente principal ha elogiado a Picasso por su capacidad para trascender los medios y el estilo, lo cual, estoy de acuerdo, es digno de admiración. Pero hay contemporáneos que trabajan al mismo nivel de genios interdisciplinarios, como Nicole Eisenman. A medida que me dediqué más profesionalmente al trabajo basado en lentes, me encontré leyendo sobre la historia del medio. Me interesan especialmente los artistas que incorporaron la imagen fotográfica al género de la pintura, como Robert Rauschenberg o Andy Warhol. Creo que hacia aquí se dirige mi práctica. Adoptando técnicas mixtas; agregando gestos pictóricos a una imagen que de otro modo estaría mediada por una máquina.
AG: Para concluir, ¿qué le depara el 2022? ¿Qué esperas de él y del futuro? ¿Qué veremos de Matías Alvial?
MA: Es fácil tener grandes expectativas para el futuro y ser víctima del círculo vicioso de buscar el éxito constante. No importa la cantidad y/o el nivel de reconocimiento, a menudo nos quedamos insatisfechos… con ganas de más. Creo que un enfoque más saludable es dejar que las cosas se desarrollen a su propio ritmo y valorar cada hito. Me ha costado mucho aceptar el mercado capitalista, donde se espera que produzcamos constantemente. El arte no es un producto, sino una forma de darle sentido a nuestro lugar en este mundo. Este año espero seguir explorando mi voz visual y sintetizar todos mis aprendizajes recientes en un nuevo cuerpo de trabajo multimedia. Además, estoy en las primeras etapas de la publicación de un fotolibro. ¡Cruzamos los dedos!
Entrevista exclusiva para Vanity Teen online en conversación con Adrian Gomis @adriange_
